前所未有雙人聯展
聖地牙哥美術館(San Diego Museum of Art)這回創下先例,為20世紀兩大代表性藝術家,美國女性畫家喬治亞・歐姬芙(Georgia O'Keeffe,1887-1986)和英國雕塑家亨利・摩爾(Henry Moore,1898-1986)進行聯展。
儘管兩人僅於1946年在紐約現代藝術美術館MoMA進行摩爾的回顧展時,相遇過那麼一次。而同一年早些時候,歐姬芙也曾在MoMA舉辦個人回顧展。那回個展,還是MoMA第一次為女性畫家籌辦此等盛事。由此即見歐姬芙在當代畫壇的地位。
歐姬芙與摩爾創作媒材各異,看似不相干,然而若是檢視作品,會發現他們都是從自然汲取靈感,並與郊野風景密切相關。
從自然主義出發
歐姬芙1949年便從嘈雜繁華紐約城移居新墨西哥州荒漠;摩爾也是在1940年因逃離戰爭,自擁擠世故大倫敦搬到賀福特郡田野鄉間。雖說年紀相差11歲,兩人卻都是在同一年,1986年告別人世。
彼此創作形式和媒材大有不同,主題材料卻有不少共通性。例如:大型動物骨骸、扭曲浮木和樹根、海螺的內部構造、光滑的鵝卵石、蜿蜒的河流⋯等等。
整個展覽空間的布展方式隨著不同主題:The real and the Surreal、The Studios、Bones、Stones、Sea shells, Flowers, and Internal/External Forms、Landscapes of Form
從自然主義和超現實主義概念作品為起始,骨骼、石頭和貝殼主題隨後,再來到歐姬芙最著名的花卉內在與外在形式系列;同時,與摩爾從貝殼和其他物件發想的空心雕塑進行對話。處處相互呼應,彼此映襯而精彩開展。
何況若是將歐姬芙的形式研究與雕塑並行看待,或許更能夠理解她的概念,同時也能說明為何她對於自己作品被硬加上性別特徵的解釋,始終不以為然也堅決否認。
骨骸系列
骨骸系列可看出兩人之間的相同與相異。
古典繪畫裡的頭骨或骨骸通常意喻死亡,也做為象徵生命的脆弱性和時間的流逝等警示意涵,然而對於歐姬芙和摩爾來說,骨骸則是表現密度和彈性的媒介。
尤其頭骨內在複雜構造,與堅硬外在恰巧形成對比。而歐姬芙時常將骨骼的強韌和花朵、羽毛的柔軟質地相互對照以凸顯主題。至於摩爾的雕塑作品中明顯的邊際線—他稱之為「刀刃」(knife edge),用來建構與周圍環境的關係,所呈現視覺效果也隨著觀眾視角改變。
這些都是藝術家透過素材與媒介,與空間,以及我們所建立起的聯繫。
Sea shells, Flowers, and Internal/External Forms
兩位藝術家都收集身邊尋得之物,做為創作靈感來源的同時,也將形式極度簡化至基本要素,直指核心,並且揭露隱藏其中,時常被忽略的部位,例如花蕊、貝殼內部。與此同時,建構起內在與外在的複雜相連性。
歐姬芙在花卉和貝殼系列反覆操作這項概念,而摩爾則是在母與子系列,由較大作品內含小型作品,或者在他標誌性的斜躺人像裡,詮釋類似表現。為了實踐極簡訴求,兩位都對於花瓣和葉子的堆疊層次深感興趣,也會縮減色調範圍,透過光線和陰影烘托,將重點專注於形式對比效果。
展覽重點還包含兩人當年的工作室也同時復刻展出。空間內布置著當時所使用的家具、創作工具、藝術家覓來做為靈感的物件。我們藉此得以想像這兩位傑出的當代藝術家當初曾經身處的創作環境與過程。
說到歐姬芙,就必須提到她曾以作品《Jimson Weed/White Flower No. 1》於2014年的蘇富比拍賣會上,以4440萬美金創下女性畫家單一作品最高價。
向來以半抽象半寫實的微觀花卉主題最廣為人知,而且常被誤以為暗示女性性別特徵,儘管歐姬芙本倫始終對此表示抗議。
善用油彩薄塗,在簡潔構圖上運用色彩層次創造乍看平面,實則深邃的視覺效果。尤其是荒野中的泥磚屋,平坦中有深度,一面牆已經看盡荒原清冷孤寂。在我心目中,是花卉系列之外,值得注意的傑出之作。
無比觸動,非常喜歡。
幸好遇見這個特展,才真真切切感受到歐姬芙的筆下有多優美細膩,寧靜中扣人心弦,溫婉中深邃律動。而摩爾如今仍被許多後輩努力模仿,更是開拓時代引領潮流。
都是兼具美感、創新、概念和技術,當然堪稱現當代經典。
來聖地牙哥除了逛動物園、看海豹、吃海鮮,還能好好逛美術館。
今日已滿足❤️
題材源自歐姬芙在墨西哥州荒漠散步所得來的動物頭骨
自1917年開始,歐姬芙就密集訪問墨西哥州,直到1940年州於搬到此地定居
這張作品裡,公羊頭骨的密集形式和巨型頭角的曲線,以及明亮花卉形成鮮明對比
<Ram's Head, Blue Moring Glory >
Georgia O'Keeffe,1938
oil on canvas
骨骼的鋒利邊緣結合身體軀幹的圓潤,構成與風景形式相呼應的圖形
<Working Model for Reclining Figure : Hand>
Henry Moore,1978
Bronze
被認為是歐姬芙的自畫像
<Nude Series>
Georgia O'Keeffe,1917
watercolor on paper
歐姬芙少數的雕塑作品之一
曾於她第一次個展展出
<Abstraction>
Georgia O'Keeffe,1916
white lacquered bronze
這是摩爾少數的繩索雕塑創作之一,這系列作品甚少外借展出,也是他1930年代萌發的創意之作
<Bird Basket >
Henry Moore,1939
Lignum vitae and string
打從職業生涯初始,摩爾對太平洋馬家拉島的人物,以及盔甲和面具便深感興趣,並且製作許多素描,傳達他對內在和外在形式的追求
1939年英國宣戰,摩爾也在這一年開始頭盔系列,這系列一直持續到戰後
外在頭盔可視為內在人物的避難所
<Halmet>
Henry Moore,1939-40
Bronze
歐姬芙在冬季和夏季都描繪了紐約州的穀倉
覆蓋白雪的穀倉看起來特別孤寂寧靜
<Barn with Snow>
Georgia O'Keeffe,1934
oil on canvas
善用油彩薄塗,在簡潔構圖上運用色彩層次創造乍看平面,實則深邃的視覺效果。
尤其是荒野中的泥磚屋,平坦中有深度,一面牆已經看盡荒原清冷孤寂。
在我心目中,是花卉系列之外,值得注意的傑出之作。
<In the Patio I>
Georgia O'Keeffe,1946
oil on paper on board
<Patio Door with Green Leaf>
Georgia O'Keeffe,1956
oil on canvas
歐姬芙從骨盆框架裡所見到的幽靈農場Ghost Farm景色,周圍的紅色暗示沙漠的熱度
<Pedernal -- Form the Ranch #1>
Georgia O'Keeffe,1956
oil on canvas
此時正當歐姬芙從墨西哥州回到紐約處理亡夫遺產事宜,那三年她的創作量大大減少,這件<春天>不但是難得之作,也是她最大型作品
清新色調結合象徵萬象更新的報春花,以及歐姬芙最愛的鹿角,還有天空翱翔的脊椎骨,表現春天滿滿活力
<Spring>
Georgia O'Keeffe,1948
oil on canvas
對歐姬芙來說,這些動物的骸骨存在形式,比牠們在世時更加奇特,也呈現了另一種生命
這副騾的頭骨內部結構複雜,與聖誕紅形成鮮明對比
<Mule's Skull with Pink Poinsettias>
Georgia O'Keeffe,1930
oil on canvas
歐姬芙創作了許多版本的黑色岩石,從陰影判斷,強烈光源該來自於右側
極為簡單,也純粹美麗
<Black Rock on Red>
Georgia O'Keeffe,1971
oil on canvas
對照於後來專注於微觀花卉創作,歐姬芙回憶起她首度仔細觀察花卉,是就讀研究所時,一位老師在講台放置一朵三葉天南星而起始,正如本畫主題
這件作品是本系列六件作品之一,藉由明亮與黑暗的對照定義空間深度,同時呈現出內部構造
<Jack-in-the-Pulpit No.3>
Georgia O'Keeffe,1930
oil on canvas
為了讓別人也看到自己眼中所見,所以歐姬芙放大花朵,以巨型尺寸呈現它們
歐姬芙使用剪裁和放大圖像等類似攝影的透圖技巧來處理花卉題材,吸引我們關注自然型態,重新審視容易被疏忽的細節
這件作品中,花朵充滿整個畫面,花瓣上的線條指向花蕊中央,並與深綠葉片形成
<The Whit Flower> or <White Trumpet Flower>
Georgia O'Keeffe,1932
oil on canvas
歐姬芙曾經寫道 "當你手中拿著一朵花,並認真祝是它時,在那一刻,它就變成你的世界"
這句話完美詮釋她所創造的微觀花卉世界
這朵白玫瑰的螺旋形式和柔和色彩,以及清晰剪裁,不只是呈現花瓣構造,同時還可衍伸出許多解釋,例如風暴雲朵的形狀,或者抽象表現等等
<Abstrction White Rose>
Georgia O'Keeffe,1927
oil on canvas
摩爾少數的瓷器作品之一
瓷器的潔白色調正好呈現摩爾所欲表現的精緻形狀,彼此所映照的陰影同時構築了空間關係
<Moon Head>
Henry Moore,1964
Porcelain
歐姬芙在此運用唯美柔和對比色調、精緻陰影效果和幽暗空隙映襯,層層疊疊堆砌出鳶尾輪廓,也吸引我們的眼睛深入探索花朵所處的空間和形式深度。
至於歐姬芙如何反駁那些自以為是的藝評 :
「你將你那些所有與花的聯想高懸在我的花卉上,撰寫關於我的花,好像我所想和所見都跟你相同—然而並不是」
<White Iris>
Georgia O'Keeffe,1930
oil on canvas
貝殼被放在構圖最高處,甚至被邊緣裁切,形成戲劇性強調效果
在沙灘和海洋背景襯托下,貝殼恍若漂浮於天空
<PInk Shell with Seaweed >
Georgia O'Keeffe,1938
pastel on board
靈感源自歐姬芙從飛機上俯瞰的河流
然而實際上製作時是參考樹枝延伸狀態畫成
重點是嫩紅與粉綠的對比色調太美太夢幻
<From the River-Pale>
Georgia O'Keefe 1959
oil on canvas
<Cliffs Beyond Abiquiu, Dry Waterfall>
Georgia O'Keeffe,1943
oil on canvas
<Autumn Leaves--Lake George NV>
Georgia O'Keeffe,1924
oil on canvas
歐姬芙的工作室
展覽重點還包含兩人當年的工作室也同時復刻展出。空間內布置著當時所使用的家具、創作工具、藝術家覓來做為靈感的物件。我們藉此得以想像這兩位傑出的當代藝術家當初曾經身處的創作環境與過程。
窗外與牆面上照片模擬她工作室外的荒漠景色
摩爾的工作室
左下為犀牛頭骨
美術館的公共教育功能很重要
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